El abrazo de la serpiente - 2015

Director: Ciro Guerra

"El abrazo de la serpiente" es la tercera película del colombiano Ciro Guerra, interesante realizador cuyos dos primeros largometrajes ya fueron comentados positivamente acá, y cómo no, si son dos contundentes experiencias cinematográficas. La presente, que es la última nominada a mejor película de habla no inglesa de este año que faltaba por comentar, no podía ser diferente, toda vez que Guerra cada vez se va superando más: se nota que toma desafíos y que no tiene pensado salir vencido. De hecho, no sale vencido en lo absoluto, por si hace falta aclararlo. Me pregunto qué tendrá en mente para su cuarto film...

Menschen am Sonntag - 1930

Directores: Edgar G. Ulmer & Robert Siodmak

Hoy día tenía planeado comentar otro documental, el último de este improvisado ciclo, pero, francamente, estaba un poco aburrido de ver documentales, y miren que he tenido satisfacciones estos últimos días, pero pienso que principalmente quería volver a la ficción. ¡Si fueron doce documentales seguidos, por dios! Igual el presente film es la perfecta transición de documental a realidad, pienso... "Menschen am Sonntag" es una notable conjunción de talentos que cuenta con Billy Wilder escribiendo el guión junto a Curt Siodmak, y con Edgar G. Ulmer y Robert Siodmak en la dirección, la primera vez que ambos se encargaban de dichas labores. Muchas son las bondades de esta sencilla y encantadora película, y, como es usual, acá intentaremos hablar un poco de un par de ellas, siempre y cuando el universo se encuentre generoso de ánimo y espíritu.

Searching for Sugar Man - 2012

Director: Malik Bendjelloul

"Searching for Sugar Man" es el documental que, entre otros premios, se llevó el oscar a mejor documental (claro) el año en que participó (no recuerdo cuál), y ahora la veo de pura casualidad, dado que no tenía idea de que estaba entre mis archivos, pero como he estado con documentales estos últimos días, me dije que ya era hora de verlo, y es que ya han pasado los años. "Searching for Sugar Man" es el primer trabajo del sueco Malik Bendjelloul, por desgracia, también el último; es decir, el único: debido a una depresión, aproximadamente un año después el director se suicida, dejando un proyecto inconcluso, si mal no recuerdo. "Searching for Sugar Man" trata sobre la misteriosa y elusiva figura de Rodríguez, un músico de Detroit que en su tiempo nunca tuvo el reconocimiento que merecía, aunque ya verán que la cosa no es tan melancólica ni oscura, aunque sí que está relativamente bien narrada. Cumple lo suyo, cuanto menos.

Il se peut que la beauté ait renforcé notre résolution - Masao Adachi - 2011

Director: Philippe Grandrieux

Vaya título ¿eh? Vendría a significar algo así como "Puede que la belleza haya fortalecido nuestra resolución", pero para no demorarme demasiado me referiré al presente documental como "Masao Adachi", que es el director japonés, amigo cercano de Koji Wakamatsu y miembro activo de los movimientos estudiantiles que sacudieron Japón a fines de los sesenta, en quien se centra el francés Philippe Grandrieux, director de "Sombre", "La vie nouvelle" y "Un lac", entre otros tantos trabajos que pueblan su filmografía. Quienes conozcan a Grandrieux sabrán que su cine no es para nada convencional, lo que sin duda es un maldito aliciente sobre todo si nos atenemos al documental, que por lo general es bueno por el contenido (así dicho de manera muy simple, pues siempre entran en juegos otros matices) pero no tanto por la forma cinematográfica, algo que acá es poderoso a rabiar, y miren ustedes, sin descuidar tampoco la introspectiva y ambiciosa búsqueda emprendida tanto por el francés como por Adachi, ya saben, la sustancia. "Masao Adachi" llega por esas benditas casualidades de la vida, y además me descubre al cineasta japonés, que me late que no lo conocía para nada. En fin, acá tenemos un brillante documental y una gran muestra de cine. Un verdadero placer.

Ingmar Bergman gör en film - 1963

Director: Vilgot Sjöman

Apuesto a que no sabían que había una película sobre Ingmar Bergman haciendo una película, de hecho yo mismo no lo sabía hasta que me encontré con Vilgo Sjöman, director de un díptico bastante interesante conformado por "I am curious (yellow)" y "I am curious (blue)", por lo que vagamente tengo entendido, una especie de exploración sobre Suecia y sus propios asuntos (por algo los colores de la bandera sueca entre paréntesis). Como es usual, me pongo a revisar su filmografía y encuentro "Ingmar Bergman gör en film", un documental hecho para la televisión, dividido en cinco episodios (suena un poco grande en realidad, considerando que en promedio cada uno dura media hora), que sigue al gran cineasta sueco en el proceso de escritura, rodaje y edición (además del estreno) de "Los comulgantes", aquel filme sobre un padre que comienza a dudar de la religión al verse embargado por el silencio de dios y otros lamentables sucesos. Como con muchos documentales, el presente destaca por el contenido del mismo (un gran director, una gran película, el backstage) y no tanto por su forma o ejecución, o mejor digamos que lo de Sjöman es más teórico que formal, pero no hay que ponerse quisquillosos considerando que las preguntas expuestas y las respuestas obtenidas son, era que no, imprescindibles.

Rock Hudson's home movies - 1992

Director: Mark Rappaport

  En un principio pensé que el director de este documental era Michael Rappaport, curioso sujeto que tiene dos documentales en su haber pero que se la ha pasado la mayor parte del tiempo frente a las cámaras, haciendo de actor (claramente), por ejemplo encarnando al principal antagonista de la quinta temporada de "Justified", en la que comandaba a una familia de criminales que quería adueñarse de la vida criminal de Harlan. Pero, en realidad, el director es Mark Rappaport. Mark. Otro curioso sujeto que comenzó con ficciones más o menos experimentales (creo) y que luego dio el salto al documental con el que nos ocupa, usualmente dedicados al cine y lo que se esconde detrás de los íconos. Y a juzgar por lo visto en "Rock Hudson's home movies", la mirada de Rappaport sí que es incisiva e inteligente, y no sin su saludable cuota de ironía. Un completo disfrute, pero también sutilmente desgarrador. Un excelente documental, en definitiva.

High School - 1968

Director: Frederick Wiseman

  Frederick Wiseman es un cineasta/documentalista incansable e hiperactivo, siempre buscando qué cosas nuevas filmar con su aguda y observadora cámara, aunque está claro que tiene mucho material considerando que el hombre, en cierta forma, dedica su obra a desentrañar Estados Unidos, el american way of life, su gente y sus instituciones y la manera en que se relacionan, con sus luces y, sobre todo, con sus sombras. "Titicut Follies" y "Law and Order" han sido comentados acá, el primero sobre un manicomio y el segundo sobre la policía, ahora le toca el turno a una escuela de no-sé-dónde y si siguen buscando en su filmografía también se adentrarán en hospitales, juzgados de justicia, gimnasios de boxeo, mataderos, academias militares o en su defecto instalaciones militares, cabarets, museos, etc. Una gran filmografía, algo difícil de encontrar "limpia" (ya saben, sin subtítulos de idiomas distintos al de uno sobreimpresos) y con subtítulos en español, pero siempre fascinante de descubrir. Wiseman es un nombre valioso para el cine.

American Boy: A profile of Steven Prince - 1978

Director: Martin Scorsese

  El otro documental de Scorsese que comentaré hoy es "American Boy: A profile of Steven Prince", en el cual el director neoyorkino entrevista, en un estilo similar a lo hecho en "Italianamerican" cuatro años antes, a su buen amigo Steven Prince, que no es un actor o un músico importante como pensaba sino que un buscavidas que alguna vez fue road manager de Neil Diamond, además de tener un discreto rol en "Taxi Driver" o "Mean Streets", ya no recuerdo (lo de actor no se menciona en todo caso, lo saqué de Wikipedia). Otro excelente documental, sobra decir. Debe ser visto, reflexionado y recordado.

Italianamerican - 1974

Director: Martin Scorsese

  Si ayer comentaba dos brevísimos documentales dirigidos por un temprano Stanley Kubrick, hoy también vengo a comentar dos documentales de Martin Scorsese, no tan cortos pero no de duración convencional ni mucho menos tan largos como los que más brillan en su filmografía. El primero de ellos es "Italianamerican", un caluroso y divertido, pero por sobre todo rico y estupendo ejercicio en que Scorsese entrevista a sus padres sobre la familia y sobre ser italiano o tener raíces italianas, entre otras cosas que se irán sucediendo con las imperdibles historias que señor y señora Scorsese nos deparan. Imperdible.

Flying Padre - 1951

Director: Stanley Kubrick

  "Flying Padre", que trata sobre un cura católico que vive en México cuyo mayor atractivo es que se moviliza mayormente en una avioneta, dadas las grandes distancias que separan a los creyentes, es el segundo documental que Kubrick dirigía tras "Day of the fight". Si bien es menos interesante y memorable que la del boxeador, supongo que vale la pena si tu intención es ir completando la obra de Kubrick, aunque si la historia de un cura católico que vuela no les interesa mucho, no es que se pierdan gran cosa.

Day of the fight - 1951

Director: Stanley Kubrick

  Hoy comentaré dos brevísimos documentales que el gran Stanley Kubrick filmó a inicio de los cincuenta, y los cuales son sus primeros trabajos cinematográficos luego de largo tiempo trabajando en fotografía. "Day of the fight" fue su primerísimo esfuerzo tras las cámaras, y trata, como bien indica su título, sobre un boxeador y cómo se prepara en el día de una importante pelea. Interesantes apuntes nos deja este visionado.

Let's get lost - 1988

Director: Bruce Weber

  De no ser por Lana del Rey no me hubiera enterado de la existencia de "Let's get lost", y esta semana documental nunca habría llegado a concebirse. Fue gracias a una bella entrevista en Complex, en donde la artista neoyorkina señala que el documental de Bruce Weber fue una gran inspiración para el alucinante videoclip de "West Coast" (no se pierda la refrescante versión radio mix); de hecho, pueden compararlo con la primera secuencia del documental y verán que la influencia es casi literal, lo que a mí me parece notable. Qué genial lo que uno puede ir descubriendo, ¿no? "Let's get lost" nos muestra la vida de Chet Baker mientras mediante entrevistas a conocidos se repasa su obra y personalidad, y es curioso el aura que ganó el presente film cuando un año después Baker muere en Ámsterdam, manifestado sobre todo en frases del tipo "muestra los últimos días del gran trompetista" y similares, como si hubiese sido premonitorio. Y es que hay últimos días y últimos días... algunos son relativamente anunciados y se viven con plena consciencia de ello mientras que otros se viven como cualquiera... ¿Habrá visto venir Weber el destino de Baker?

The James Dean Story - 1957

Directores: Robert Altman & George W. George

  Algunas radios son sorprendentes, y no precisamente por cosas buenas. Resulta que volvía de la puta universidad y de repente comienza a sonar "Blue Jeans" de Lana del Rey, yo feliz, y en general la cosa estuvo excelente excepto por un detalle que se repitió varias veces: la censura. ¿La censura? Así es, la puta censura. ¿Y cómo? En vez de sonar el "loved you more, than those bitches before" lo que escuché fue un maldito "..., than those -silencio total- before". ¡Si no cortan la palabra se arma un escándalo de aquéllos al parecer! Y puede que esté exagerando, pero no deja de ser una estupidez, si bien por lo menos la canción se disfruta igual. A propósito, también hay una parte que dice "...it was like James Dean, for sure...", tremenda coincidencia considerando que justo hoy tocaba ver y comentar el documental que Robert Altman y George W. George dirigieron sobre James Dean dos años después de su muerte. Y como ya saben, estos días estaremos, en la medida de lo posible, comentando documentales hechos o centrados en personas recordadas por su espíritu inquieto y apasionante, aquellos que buscan un mundo más allá del que "ofrece" la autoridad, entre tantas otras cosas que me convierten en un iluso ampuloso, aunque eso es mucho mejor que ser un maldito y asqueroso ñoño. Como dijo Richie Finestra al final de "Vinyl", hay personas que nos despiertan y nos muestran que las cosas son posibles.

The Men Who Made the Movies: Raoul Walsh - 1973

Director: Raoul Walsh

  A propósito de esa obra maestra que es "Vinyl", me puse a ver el instagram de Bobby Cannavale (el protagonista) y me encontré con una foto que anunciaba una película, de título "Youth", protagonizada por su hijo Jake y dirigida por Bruce Weber. Me pregunto quién es Bruce Weber y qué ha dirigido, así que me pongo a buscar su obra en IMDB, y para mi sorpresa, Weber es el director de "Let's get lost", documental sobre Chet Baker que ya tengo en mi poder hace bastante tiempo, y como siempre he querido darme una semanita documental, pensé que enlazar "Vinyl" con "Let's get lost" sería la ideal aunque un poco rebuscada manera de comenzar con esta interesante semanita a la que ahora le damos el puntapié inicial. El problema fue que el documental de Weber dura dos horas que no tenía hoy, así que decidí que era mejor hacerlo con el episodio dedicado a Raoul Walsh de "The men who made the movies", serie documental que trata, como podrán entrever, sobre la vida y obra de varios grandes directores del viejo y dorado Hollywood. De hecho, que sea Raoul Walsh me ayuda a reformular y potenciar esta semanita documental, pues estoy casi seguro que todos los que veré y comentaré están centrados/dirigidos en/por personas que no se dejaban amilanar por normas, convenciones, censuras y esa clase de cosas; personas que, a su modo y dependiendo de sus diferentes contextos, se caracterizaban por una cierta confrontación y la búsqueda de algo, ya sea una gran historia, una gran verdad que debe ser inmortalizada en el celuloide o, tal como el Richie Finestra de Cannavale buscando su música, ese gran arte que enriquece el alma. Y ustedes saben, nosotros sabemos, que a Walsh no había nadie que lo domara... ni a él ni a sus tremendas películas.

Vinyl - Temporada 1

Creadores: Mick Jagger, Martin Scorsese, Rich Cohen & Terence Winter

  "Vinyl" es una serie que desde ya alzo entre lo mejor del año, y cómo no, si es una puta obra maestra. Miren a esos creadores, miren el reparto (liderado por un brutal Bobby Cannavale), escuchen la banda sonora... sencillamente era imposible que no saliera monumental genialidad de tal conjunción de talentos e historias y pasiones. Por alguna razón, "Vinyl" sólo es mencionada por sus bajos ratings, por lo insensato que parece la renovación para una segunda temporada, por la salida de Terence Winter como showrunner para el segundo ciclo debido a diferencias creativas... ¡si hasta se podría pensar que tales redactores hacen campaña para tirar abajo esta serie! ¿Quién les paga? ¿Netflix? ¡¿La puta y maldita Netflix?! Hay que cagarse con estos imbéciles, pero es que siempre ocurre, nada más retrocedamos un poco a "The Knick", otra obra maestra prácticamente ninguneada por organismos y medios oficiales, y la cosa no cambia al referirnos a "The Leftovers", "Justified" o "Sex&drugs&rock&roll" (si ésta fuese amparada por HBO sería DIEZ veces más genial, y eso que ya lo es por montones), por mencionar referencias recientes. Pero no hay nada que hacer, justamente de eso se trata "Vinyl": de romper reglas y el orden establecido, de pasarse por el culo a los ñoños y a los conservadores, de crear nuevos universos, sentir la sangre que corre por las venas, aceitar los engranajes que verdaderamente nos dan vida, alimentar el alma con música y cine y libros... "Vinyl" es una gigantesca y contundente declaración de intenciones; ha golpeado la mesa y llegó para quedarse, dure las temporadas que dure, y le va a gustar a quien tenga indomable fuego en su interior.

Coherence - 2013

Director: James Ward Byrkit

  Mientras comentaba "The Invitation" recordé que hace un par de años salió otra película relativamente similar en el sentido de que también trataba sobre una reunión de amigos que salía bastante mal, por ponerlo en palabras simples. "Coherence" (opera prima de James Ward Byrkit), además, también causó sensación allá por donde iba, levantando expectativas con su intrincada propuesta. Además, ya parece algo inevitable, en la fiesta (o reunión) llegan ex-parejas y la tensión, hipotéticamente, se dispara hasta el infinito y más allá, donde se encuentran esas realidades que no conocemos. Así que pensé, "oye chato, ¿por qué no la ves?", y me respondí, "¡orale!, y aprovechas de comentarla de inmediato". Dicho y hecho.

The Invitation - 2015

Directora: Karyn Kusama

  Karyn Kusama es la directora del live action de "AEon Flux", y no es que pretendiera ver alguna película suya por el sólo hecho de que ayer hice lo propio con la serie homónima de Peter Chung, pero es que se dio la casualidad de que me encontré con "The Invitation", la última cinta que ha dirigido (su carrera no es la gran cosa a decir verdad: debutó con un drama deportivo titulado "Girlfight", y entre la de Charlize Theron y ésta dirigió "Jennifer's body", protagonizada por una Megan Fox ¿vampiro?, ¿caníbal? caliente) y que ha tenido bastante repercusión por ahí, y es que todos los años sale una cinta con temática de horror que destaca sobre las otras por una que otra razón. Como sea, acá estamos, saciando la curiosidad.

AEon Flux - Temporadas 1 & 2

Creador: Peter Chung

  Hablar de temporadas puede sonar un poco difícil considerando que la primera dura, en total, doce minutos (distribuidos en seis cápsulas de dos minutos), mientras que la segunda, alrededor de veinte (dividido en cinco cápsulas). Hay una tercera que consta de diez episodios de veintidós minutos cada uno, pero esa la dejaremos para otra ocasión. A decir verdad, me puse a ver "AEon Flux" por falta de tiempo, y es que entre el ocio, la lectura de cómics y el transitar por la ciudad buscando algún restaurant que atendiera normalmente hoy (ya que no hay suministro de agua hasta mañana en la medianoche porque las lluvias complicaron a las pobres empresas de agua, que por muy millonarias que sean no son capaces de prever estas situaciones, y claro, como imbéciles tenemos que aceptar su ineptitud y seguir pagando mes a mes sus "servicios"), además de haber despertado tarde, lo cierto es que el tiempo se me pasó volando. Pero lo bueno es que "AEon Flux" vale la pena y es una interesante propuesta cuya breve duración no significa que merezca ser tratada con ligereza.

Saigon - 1948

Director: Leslie Fenton

  "Saigon", la última de las aventuras que Alan Ladd y Veronica Lake protagonizaron juntos. La menos conocida de las cuatro, me parece, y sin embargo una grata sorpresa a decir verdad, toda vez que algo me hacía pensar que no quedaría del todo conforme (más o menos como con las dos películas previas, a pesar de los excelentes nombres involucrados). Pero no ha sido así, afortunadamente. De esta forma, demos fin a este improvisado recorrido.

The Blue Dahlia - 1946

Director: George Marshall

  Iba a hablar de algo interesante (para mí, al menos) pero lo olvidé; lo curioso es que lo acabo de recordar, todo en tiempo real y sin trucos de montaje. Seré breve, por supuesto: resulta que Renato, el nuevo perro de la familia, que es pequeño y vive dentro de la casa, despierta temprano cuando mi madre sale a trabajar, y como es cariñoso y, básicamente es de mi madre, se siente un poco solo y comienza a ladrar cuando ella sale. No es que me moleste (me encanta Renato), a lo que voy es que cuando comienza a ladrar, sus ladridos se funden con mis sueños, dando resultados delirantes; ejemplo: estaba yo en una habitación con dos personas, y una estaba alterada y comienza a hablar en voz alta, incluso a llorar, sólo que sus llantos y gritos son ladridos de perro, y en un principio no me explico tan extraño suceso y pienso, "demonios, ¿qué está pasando acá, me estoy volviendo loco?". Luego de un par de segundos, que en el sueño equivale a estar media hora viendo a un hombre llorar como perro, despierto y finalmente se me aclara todo, y me río y me vuelvo a dormir. En todo caso siempre pasa, sólo que los ruidos que alteran la realidad de mis sueños varían, al igual que sus efectos (a veces incluso es el calor). En fin... "The Blue Dahlia", escrita por Raymond Chandler (acá fue cuando el escritor bautizó a Lake como 'Moronica'), es la tercera cinta en que coinciden Alan Ladd y la mentada Veronica Lake. Para más información, favor de continuar en sintonía con nosotros.

The glass key - 1942

Director: Stuart Heisler

  Seré más breve, dado que volví a demorarme un montón en comenzar a escribir la entrada y ya tengo imperiosas ganas de irme a dormir. Cosas de la indisciplina; algún día tendré que aprender. "The glass key" es la segunda película que reúne a Alan Ladd y Veronica Lake luego de "This gun for hire", de Frank Tuttle. Como curiosidad, la presente, dirigida por Stuart Heisler, está basada en la novela homónima de Dashiell Hammett, que ya tenía una adaptación previa dirigida por el mismo Tuttle, aunque aquélla la protagonizaba George Raft. Ayer decía que tanto Lake como Ladd no terminaron bien sus carreras y sus vidas, y no me dio el espacio para hablar de Ladd, que es lo que haré ahora. Como la de él es una historia más larga, trataré de hacerla corta: su carrera fue brillante incluso en los años considerados como su declive, apareciendo en notables películas de notables directores, pero, incluso a pesar de ser protagonista de grandes éxitos de taquilla y crítica, poco a poco comenzaron a encasillarlo en determinado rol y a ser contratado casi en puros filmes de bajo presupuesto, perdiendo la popularidad de antaño y alejado de producciones como "Shane", por ejemplo. Además solía caer en depresiones porque se enamoraba de sus co-estrellas femeninas que no le correspondían, y sumado al alcoholismo no tratado, la cosa no parecía promisoria. El '62 lo encontraron con un disparo en el pecho, en lo que fue considerado un fallido intento de suicidio. Dos años más tardes moriría producto de una fatal ingesta de medicamentos y alcohol, para algunos un accidente y para otros, un suicidio. En "The glass key", en todo caso, las cosas salen mejor...

This gun for hire - 1942

Director: Frank Tuttle

  De aquí hasta el viernes comentaré las cuatro películas en las que coincidieron Alan Ladd y Veronica Lake, ambos famosos actores que, debido a diferentes motivos, no terminaron muy bien sus carreras, por no decir sus vidas. Lake era conocida por lo difícil que era trabajar con ella, y se pueden encontrar varias fuertes declaraciones de otras celebridades de la época que aluden, sobre todo, a su mal carácter (Raymond Chandler la llamó "Moronica Lake"). Como pocos querían trabajar con ella (su alcoholismo y arrebatos nerviosos no ayudaban), sumado a algunos fracasos en taquilla y críticas negativas a un par de actuaciones suyas, las apariciones de Lake fueron disminuyendo hasta que, cansada del mal ambiente y de sentirse encasillada como sex symbol (además de la bancarrota con su segundo esposo), decidió dejar L.A. e irse a New York a reinventarse en el teatro y la televisión, aunque tampoco le fue demasiado bien, pues los episodios de alcoholismo público y desafortunadas caídas sobre las tablas continuaron su mala racha (aunque, si no me equivoco, tuvo una apreciada actuación en las tablas londinenses con "Un tranvía llamado deseo"). A fines de los sesenta escribió una autobiografía que, al parecer, vendió bastante bien, lo suficiente como para financiar una película de horror clase B, titulada "Flesh Feast", donde ella misma protagonizaba como científica loca, claramente alejada de ese mito del que tanto renegó y se burló. Poco después del festival de carne, Lake muere por una hepatitis y algo al riñón. La vida y carrera de Ladd también fue a declive, e iba a hablar de eso ahora para meternos en contexto (¿?), pero como me ha salido largo el repaso a Lake, dejemos el de Ladd para mañana. Ahora hablemos de "This gun for hire", la primera película que los vio reunidos.

Blood and Wine - 1996

Director: Bob Rafelson

  Bob Rafelson ya no dirige. Está vivo, pero ya no dirige. No desde hace 14 años. A estas alturas creo que ya no hay esperanzas de que vuelva a hacerlo. Su filmografía consta de once películas hechas a lo largo de 34 años (48, si es que quieren contar el tiempo que ha estado retirado). "Blood and Wine", su antepenúltima película y la que me hizo conocer su nombre, la encontré un buen día en la tele, hace cuatro o cinco años, y vaya que fue una grata sorpresa. Durante mucho tiempo he tenido ganas de volver a verla y, desde luego, comentarla para ustedes. Y acá estoy, volviendo a disfrutar como aquella vez.

5 against the house - 1955

Director: Phil Karlson

  Para evitar largas noches me apresuro en escribir esta entrada antes de las 22 horas, momento en que planeo ver otra película antes de irme a dormir y soñar con los angelitos del señor. Pero, claro, no es que éste les sea un dato de mucha utilidad. "5 against the house" es otra película de Phil Karlson que venimos a comentar, y no es de extrañar dada su interesante aunque poco conocida filmografía. No es que fuera un genio, pero no se puede dudar de que como director tenía una habilidad notable. "5 against..." es una película extraña, por decirlo de alguna forma, pues no es en lo absoluto mala, aunque sí es problemática considerando sus pro y sus contra. Al menos, si la ven, se encontrarán con una entretenida película de ochenta minutos. No es para quedar loco, pero yo la he disfrutado lo suficiente.

Saul fia - 2015

Director: László Nemes

  Y aquí me encuentro, ni tan sorprendido, porque continúo dejando la redacción de estas entradas para después de la medianoche. Y eso que ni siquiera me considero un animal nocturno, al contrario. En fin, en un día en que comencé a leer "Preacher", el cómic de Garth Ennis y Steve Dillon cuya adaptación se estrena prontamente; volví a reírme con "El chabo del 8" y disfruté con la llegada de un nuevo perro a la familia (llamado Renato), veo, por fin, "Saul fia", la ganadora del oscar a mejor película extranjera (¿o de habla no inglesa?). Hasta había olvidado que la quería ver, pero ya ven que las cosas han salido bien.

A history of violence - 2005

Director: David Cronenberg

  Probablemente ésta sea la tercera o cuarta vez que veo "A history of violence", y a decir verdad no estaba en mis planes volver a ella (aunque siempre es un placer con tamaña genialidad), pero el visionado de "Road to Perdition" me impulsó a ello, básicamente porque ambas, entre otras similitudes que ya detallaré vagamente después del salto, están basadas en novelas gráficas de prestigio. La de hoy parte del material homónimo escrito por John Wagner y dibujado por Vince Locke. Si esto sirve de algo, prefiero la película a la novela gráfica, y me pregunto: ¿tendrá que ver que vi primero la versión de Cronenberg y luego leí el original? Es que como con "Road to Perdition" el proceso fue inverso e igualmente salió victorioso el primero deleitado, a lo mejor el asunto es, simplemente, que soy una especie de conformista que acepta lo primero que le llega. Esperemos que no, pero eventualmente uno siempre llega a estar en paz con su propio ser. ¿O no?

Road to Perdition - 2002

Director: Sam Mendes

  No es por nada, pero ayer me dieron ganas de ver "Road to Perdition", como la había sacado a colación a raíz de "Plunder Road" y todas las películas que tienen la palabra road en su título que planeaba ver de corrido. Eso sí, antes de ver la película leí la novela gráfica homónima escrita por Max Allan Collins y dibujada por Richard Piers Rayner, y creo que ello fue decisivo para mi apreciación, nada positiva, del film de Sam Mendes. Y es que la novela gráfica original (luego han salido secuelas y esas cosas) es excelente, deja la vara muy alta para una adaptación errónea y mediocre, y que como película en sí tampoco me parece una gran muestra de cine. Debo decir que he quedado tremendamente disconforme y decepcionado; realmente esperaba una película a la altura del material de partida.

Plunder Road - 1957

Director: Hubert Cornfield

  A veces me da por inventar cosas, por ejemplo, ver una seguidilla de películas que tengan la palabra road en su título. Así, "Plunder Road" hubiese estado acompañada de "Thunder Road", "On the road", "The road", "Arlighton Road", "Red Road", "Revolutionary Road" y "Road to Perdition". Bonito, ¿no? Como sea, la única que tenía en mi poder era la de Hubert Cornfield, y como dura 70 minutos, pensé que era buena idea verla en un semi-ocupado día como hoy. La captura que encabeza el post es genial, ¿no les parece?

Jane got a gun - 2016

Director: Gavin O'Connor

  Vaya que ha tenido problemas "Jane got a gun", pero puedo decirles con tranquilidad que siempre le tuve fe a este proyecto amparado fuertemente por Natalie Portman, una de las principales productoras del film. La premisa es de lo más atractiva: una mujer debe defenderse con todo del asedio de un grupo de criminales. Parece simple pero cuando leí la premisa oficial de verdad sentí que algo bueno podía salir de ello, sentí aquella fuerza propia de la gente que se interesa por contar historias. Y salió algo bueno, pero el camino no fue fácil. En su momento Michael Fassbender estuvo a bordo, pero se fue debido a problemas de calendario. Luego llegó Jude Law. Todo parecía genial, el reparto era bueno (además de Portman y los nombrados, Joel Edgerton relucía su nombre), pero en el primer día de rodaje, la directora de entonces, la aclamada Lynne Ramsay, no se presentó y abandonó así como así: toda una profesional. De inmediato Jude Law abandonó el bote. Bradley Cooper lo reemplazó durante un rato, pero también tuvo líos de calendario. Finalmente Ewan McGregor ocupó su lugar, y Gavin O'Connor, director de "Warrior", decidió encargarse del desastre que provocó Ramsay. Afortunadamente no hubo más problemas ni personas sin principios profesionales, el rodaje se completó y el estreno llegó. Los espectadores no fueron amables y la crítica tampoco, vaya uno a saber porqué. Admito que incluso llegué a pensar "bueno, quizás no es tan buena como pensaba, después de todo los críticos saben de lo que hablan, son especialistas". Pero la película es buenísima y espero que el tiempo le haga justicia. Lo merece.

The Walking Dead - Temporada 6 (parte 2)

Creador: Frank Darabont

  Finalmente, ¡la última serie que comentamos hoy día! Que malditamente agotador, pero las películas, y con razón, mandan. ¡Tres series y tres decepciones (más o menos)! Pues eso, vayamos con la estrella de la función, "The Walking Dead", que es la estrella no porque sea rematadamente buena sino porque estaba esperando con ansias su final, ya saben, al buen Negan y su sensual amiga Lucille. La sexta temporada es la más aceptable en mucho tiempo, y esta segunda parte todavía más; por desgracia, siguen estando presentes los mismos problemas de siempre: el efectismo barato, la psicología barata, los rellenos baratos, la cursilería barata, etc. La séptima temporada debe ser mejor, debe ser genial... más les vale, pues esa será la temporada de Negan, y con Negan no se juega.

Les Revenants - Temporada 2

Creador: Fabrice Gobert

Directores: Fabrice Gobert & Frédéric Goupil

  "Les Revenants", temporada dos, es otra de las series que meteremos por la fuerza en este día lunes cuatro de abril, número 75 de este año 2016. No recuerdo muy bien qué dije sobre la primera temporada, supongo que no fui ni tan bueno ni tan malo, pero es que, a pesar de todo (de su calidad de rareza y serie sensación), este producto francés es bastante irregular. Ciertamente lo es más en este segundo ciclo. Yo me siento un poco estafado, no me pareció una temporada final digna de su premisa. Pensé que sería mejor, pero no es que me vaya a poner a llorar al respecto. Esos tiempos ya pasaron, jojo.

The Book of Negroes

Director: Clement Virgo

  Hoy día nos pondremos hardcore: aglutinaremos varias series que no merecen del todo ocupar un día entero para ellas; además, acá se comentan mayoritariamente películas, y las mayorías mandan. Mejor dicho: las películas mandan. De esta manera, esta súper-mega-ultra concatenación de (mini)series comenzará con la menos buena hasta la más... ¿buena? Nah, supongo que lo haremos desordenadamente, en fin. "The book of negroes" es una miniserie canadiense basada en la novela homónima de un tal Lawrence Hill, quien se inspiró en un documento histórico llamado el libro de los negros, el cual contenía el nombre de casi todos los negros que querían dejar Estados Unidos para ir a Nueva Escocia y otros lugares supuestamente más amables. El libro, y por ende la serie, es ficción, pero ya sabemos que el contexto no lo es. Daba la impresión de que sería una gran miniserie, pero finalmente "The book of negroes" es otro correcto trabajo lleno de buenas intenciones y pocos logros. Aunque premien a las buenas intenciones, acá ciertamente no nos dejamos deslumbrar por tales nimiedades; acá importa la calidad, y de eso poco en el presente caso. Al menos sus seis episodios duran cuarenta minutos cada uno.

Friends with money - 2006

Directora: Nicole Holofcener

  "Friends with money" es la tercera película de Nicole Holofcener, hecha cinco años después de su cinta anterior, "Lovely and Amazing", título que define a la perfección el cine de esta fascinante y modesta directora. Ahora sólo queda comentar "Please give" y "Enough said", lo que dejo para más adelante, quizás el otro fin de semana si es que no se me ocurre otra cosa. O quizás antes, cómo no con lo irresistible que son estas pequeñas historias cotidianas. Esta es mi tercera oportunidad para seguirlos convenciendo de que vean las películas de Holofcener.

Lovely and Amazing - 2001

Directora: Nicole Holofcener

  La otra vez vi y comenté, con mucho gusto, la opera prima de Nicole Holofcener, "Walking and talking", tras lo cual me prometí ver todas sus películas (en realidad lo hice apenas descubrí su corta pero a priori deliciosa filmografía). Ha pasado el tiempo y ya era hora de retomar este pequeño propósito, por ende, acá estamos con "Lovely and Amazing", la segunda película de esta esforzada directora. A propósito, Holofcener se demoró seis años en preparar su opera prima y cinco en preparar ésta; la que sigue, "Friends with money", es del 2006. Luego se demora algo menos, quizás porque comenzó a alternar con trabajos televisivos, pero ello me hace preguntarme si la distancia entre sus películas es porque efectivamente se toma su tiempo para pensar y preparar cada proyecto, o si lisa y llanamente las demoras provienen de dificultades por ser directora mujer. Quizás una mezcla de los dos. Al menos tenemos el agrado de poder ver películas como la suya.

Pioniere in Ingoldstadt - 1971

Director: Rainer Werner Fassbinder

  Comenzamos abril. "Pioniere in Ingoldstadt", basada en la obra teatral homónima de Marieluise Fleisser, a quien Fassbinder le dedicó "Katzelmacher" un par de años antes, es la cuarta y última película que el alemán estrenó el '71 (mejor dicho, la última estrenada el '71 que les comento. En teoría debí comentarla antes de "Whity"). El otro día dije que eran cinco pero me equivoqué, mas ahora enmiendo mi error. A partir del próximo martes, les prometo, continuaremos con el año '72 y (casi) todas las películas que vengan después. Nos vamos acercando a las grandes obras maestras, y si para llegar a ellas debemos pasar por tropiezos como la presente película, pues bien valdrá la pena. Una lástima en todo caso.